Para festejar la noche vieja

Jóvenes jugando cartas se intitula esta fotografía cuya autoría se debe nada más ni nada menos que a Alfred Stieglitz, procede de 1894 y fue una de las imágenes con que participó en la primer exposición pública del PhotoClub de París, Francia. Es evidente el pictorialismo que guió esta toma por lo que resulta más valioso el esfuerzo que hiciera Stieglitz los años siguientes por encontrar una fotografía totalmente pura, que fuera, simplemente, sólo fotografía. En cualquier caso, la escena se antoja para festejar esta la última noche de este año. Felicidades a todos.

Imagen tomada de: www.luminous-lint.com

Festejos

Una interesante fotografía de 1918 que registra los festejos cívicos con que se conmemoró, en aquel año, el natalicio de Benito Juárez en La Paz, Baja California. Buen ejemplo de cómo hasta en las regiones que suponemos más alejadas de los sitios que representaron las gestas históricas de la Independencia, la Reforma o la Revolución, tienen el espíritu y el ánimo de recordarlas para mantener la identidad y la memoria que nos permite llamarnos Nación. Buena lección, además, de cara a los pobres y muy escasos esfuerzos por conmemorar el Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución.

Resumen

Al tener a la vista el fin de año se impone, como en otros, revisar cómo nos fue, qué se hizo, qué fue lo más relevante, etc. La tarea se impone tanto para no olvidar como para imaginar qué nos puede esperar en el siguiente año, además, dicha sea la verdad, no hay mucho material actual que se pueda comentar.



Creo que como debe ser en otras áreas, el cambio de gobierno estatal fue sin duda el acontecimiento más importante de este ya flaco año. Y fue flaco porque, precisamente, en esa condición dejó las arcas la administración anterior; pero no sólo heredó dificultades y estrecheces financiaras sino que culminó su bizarra relación con la producción artística inaugurando la colección más ridícula y espantosa de desechos escultóricos, pomposamente llamada la ruta del acero y el cemento.


Mucho se espera de cuál pueda ser la política cultural que el nuevo gobernador le encargue poner en marcha a la ahora directora del CONARTE, el organismo que supuestamente es el responsable de esta área. Por lo pronto, los primeros pasos dados son poco alentadores, recortes presupuestales, nombramientos que han sorprendido a propios y extraños, ideas y malos consejos, anticuados y populistas, sobre cuál debe ser la función del apoyo estatal a la producción artística, son los botones de muestra de lo que probablemente nos espera.


En cuanto a las exposiciones, según lo entiendo, hubo cuatro que resultaron no sólo exitosas sino que pueden considerarse como un hito en la historia de esta actividad en la ciudad. Mencionó en primer lugar la dedicada a Pixar, que llevó a las salas del MARCO la cifra récord de más de cien mil personas, seguida de la del escultor británico Anthony Gormley, sin duda, la exhibición más importante en la ciudad en los últimos años.


A la par del valor de estas dos exposiciones, estuvo la intitulada No tóxico, realizada en la Nave Generadores o Centro de las Artes III en el Parque Fundidora. Como se recordará esta muestra estuvo dedicada a la promoción y difusión de las técnicas de estampado que no son agresivas ni a la salud de quienes practican esta rama de las artes plásticas, ni al medio ambiente. Con la participación de 258 trabajos de más de 24 países, fue la exposición internacional más importante que el CONARTE promocionó en los seis años de la administración pasada.


También en las instalaciones del Centro de las Artes, se celebró la IX Bienal, Monterrey FEMSA. Interesada en su renovación permanente, no sólo logró convocar al mayor número de participantes en su historia, sino que incluyó a productores invitados; en esta la primera ocasión que abren esta sección, se presentaron cinco productores de nuestro país y cinco más del Brasil. Acciones como esta son para la Bienal nuevas posibilidades de evolución y otras formas de apoyo a la producción visual en el país.


Por lo que hace a la fotografía, creo que lo más relevante sucedió al llegar el fin de año. Los libros dedicados a Aristeo Jiménez y a una de las series trabajada por Juan Rodrigo Llaguno (El parque), son muestra no sólo de la calidad que hay entre quienes se dedican seriamente a este medio, sino también de algo en lo que hemos insistido en este espacio, la extraordinaria edición de esta clase de libros que se hace en y desde nuestra ciudad.


Finalmente, como un mal que cunde por todo el país, los festejos y actividades con los que se celebrarán el bicentenario de la Independencia y el centenario de la Revolución, brillan por su ausencia o por lo minio que han resultado de cara a la importancia y trascendencia que tienen ambos acontecimientos en nuestra historia remota, mediata, presente y futura. Esperemos que ya que las aguas del cambio de gobierno se asienten finalmente, algo realmente relevante se logre hacer en este sentido.


Espero sea obvio que en un espacio como este es imposible dar pormenores de muchas otras actividades que tuvieron lugar en la ciudad, lo que aquí se ha mencionado es únicamente una muestra, como puede haber muchas otras —y ojalá así sea—; en el fondo, de lo que se trata, ya lo dijimos, es de no olvidar y trabajar para que el mañana sea un tanto mejor. Felicidades.

Publicado originalmente por Milenio Diario.

Cosas de niños

A la vista del fin de un año terrible podemos, en retrospectiva, reconocer en algunas galerías de la ciudad intentos por articular nuevas estrategias tanto para paliar la crisis, para ofrecer alternativas a la exhibición misma de objetos, o para acoger trabajos que rompen o se salen de lo convencional. Un ejemplo de esto fue la realización de la llamada Zona Maco que tuvo como sede un hotel de la localidad. Otro de ellos es el espacio abierto por Jesús Drexel —además de su galería— que lleva como subtítulo el de Proyectos, y que está destinado, precisamente, a la presentación de proyectos que por sus características merecen un tratamiento museográfico diferente.

Si es verdad que la apertura de espacios como estos se debe a la necesidad de afrontar la crisis, también es cierto que cada vez hay más productores que requieren de criterios más amplios y heterodoxos para la presentación de su obra, tanto en lo que se refiere al aspecto temático (mayor variedad de contenidos, incluidos los políticos) como al formal (nuevas formas de creación, instalación, video, intervenciones, etc.), por lo que si el mercado del arte (galerías) y los espacios promocionales (museos, centros culturales) desean mantenerse actualizados en su oferta, deben o deberán mantenerse tanto al día de lo que en este sentido está ocurriendo como en llevar a cabo las adecuaciones necesarias para presentar lo mejor posible a estos otros productores.

A los esfuerzos que he mencionado y otros que se están gestando en la ciudad, se suma ahora un nuevo proyecto de La Máquina, Arte Contemporáneo, dado a conocer recientemente bajo el nombre de The New Wall Gallery. Este espacio está hoy día presentando una exposición de Patricia Carrington intitulada Infans, una especie de recreación del mundo infantil.

He tenido oportunidad de ver el trabajo de Patricia Carrington en otras ocasiones, siempre en colectivas y principalmente en el Centro de las Artes en la zona correspondiente a la Fototeca. Sus piezas me habían llamado la atención por tener un cierto aire etéreo, imágenes que se ven y se pierden o transforman de inmediato como por efecto de la radiación solar, de la neblina o del viento, por lo que al saber de esta individual esperaba toparme con una muestra de fotografía, con obras semejantes a las ya conocidas.

Hasta hace unos 15 años, el oficio con que te presentabas te definía de por vida y la condena eterna caía sobre ti no sólo si cambiabas sino, peor, si te atrevías a presentarte en público con otro tipo de obra. Por fortuna esto ha cambiado y hoy el productor tiene total libertad para echar mano del recurso y medio que más le plazca o mejor se adapte a su idea. Esta característica se acentúa en el caso de la fotografía, es decir, el uso de la fotografía ya no descansa exclusivamente en los fotógrafos sino que es un medio al que cualquier productor en cualquier momento puede recurrir, por tanto, lo que tenemos actualmente son artistas que usan la fotografía, ya no más simples y llanos fotógrafos.

Yo desconocía que este fuera el caso de la Carrington, pero en esta exposición presenta no sólo fotografías, sino un par de instalaciones, un dibujo mural infantil y un video que va integrado a una de las instalaciones. Me parece sensacional que las galerías se abran para recibir este tipo de iniciativas, actitud que se encuentra, como he dicho, dentro de las nuevas estrategias que se van implementando. Me parece, igualmente encomiable que los productores estén ensayando otras aproximaciones a la creación de objetos simbólicos. Sin embargo hay un riesgo en todo esto. En el caso de esta exhibición, la idea de incursionar con medios diversos llevó a Carrington a descuidar sus fotografías, las cuales, en su mayoría, dejan mucho que desear, y las instalaciones y el video, son tan poco relevantes dentro de la exhibición que se podría haber prescindido de ellos sin afectar en nada a la fotografía y a la intención del tema.

A pesar de lo magro del resultado, no cabe duda que toda búsqueda que lleve implícita la innovación, contribuye a mejorar el panorama para los demás, qué pena que para lograrlo algunos se tengan que sacrificar.

Publicado originalmente por Milenio Diario.

Nieve cubre Europa

Imagen obtenida en Oviedo, España, con una temperatura de -7 grados centígrados. Hermoso paisaje, a no dudar, pero más bonito cuando lo podemos contemplar así y no sufriendo lo que significa estar bajo esas condiciones.

Edward Anthony. Broadway en un día lluvioso. Fotografía estereoscópica, Albumina. 1860

La producción artística como asistencia social

Hace un par de días comenté sobre la designación de Reynold Guerra como nuevo director del Centro de las Artes de Monterrey, Nuevo León. En esa ocasión me preguntaba si un dramaturgo y un ex-funcionario de la Secretaría de Desarrollo Social era la persona adecuada para dirigir los espacios que dan forma al mentado Centro. A falta de mayor información, afirmé que ante la duda habría que esperar a conocer sus planes de trabajo y si este había sido un nombramiento afortunado .
Este día, aparecen declaraciones del nuevo director sobre el rumbo que tomará el Centro de las Artes, el cual parece se convertirá en un centro asistencial. ¿A qué se referirá el sr. Guerra al decir que desea atraer a la cultura urbana, acaso será la opuesta a la rural (sic)? ¿Cómo es qué el Centro de las Artes buscará atender a los niños de más bajos recursos y así equilibrar la balanza social? ¿Será que la nueva concepción de la producción artistica en Monterrey, radicará en apoyar, reforzar, las políticas sociales de asistencia?

Larry Sultan

Conversation trought Kitchen Window. 1992

El California College of the Arts dio a conocer este día la muerte del fotógrafo norteamericano Larry Sultan acaecida el domingo anterior. Sultan fue maestro titular tanto del programa de licenciatura como el de la maestría de esta institución desde 1988. De entre sus trabajos sobresalen Evidence (1977) proyecto realizado en colaboración con Mike Mandel, Pictures from home (1992) serie en la que sus propios padres son sus modelos, o bien la que realizara exponiendo los entretelones del cine porno que se hace en California, The Valley (2003). Descanse en paz.

Creatividad contra el paro

El paro no es exclusivo de un país, clase social, sexo, religión o ideología, el paro, estar desempleado, es uno de los más perniciosos efectos tanto de la crisis financiera mundial que vivimos a lo largo de este año, como también de una economía globalizada que privilegia los contactos comerciales y profesionales a dónde más barato son, antes que ofrecer empleo a sus connacionales. Ante esta situación que de momento parece irreversible, se impone, sobretodo para los más jóvenes, el uso de la creatividad, de la inteligencia, para salir adelante y encontrar nuevas soluciones, incluso más atractivas y prometedoras, que seguir esperando a que el estado haga algo al respecto. Un excelente ejemplo de como enfrentar la situación a través de estrategias poco convencionales, la encontramos en dos de los videos que hasta el momento ha entregado Ibay Prieto. Para verlos pulsar: http://www.notodotv.com/

De colectivas

Ramiro Martínez Plasencia. Alfombra roja. 2009

De entre la estrecha tipología de exposiciones, mi favorita es, creo, la colectiva; ya sea que se trate de la organizada con un único concepto operativo, como por ejemplo la Bienal FEMSA, o la temática, como la que comentaré más adelante, este tipo de exposiciones resultan siempre, casi por definición, un éxito, o para matizar la afirmación, por lo general resultan exitosas pues de entre todos los participantes es muy probable que haya uno que logre, por sí mismo, salvar al conjunto o salón.

Las exposiciones temáticas tienen la virtud de someter un tema a la interpretación de dos o más productores, cada uno de los cuales presentará la manera en que entiende, conoce y se relaciona (su obra) con él, así como la forma en que lo plasma, lo realiza, lo re-crea. Como no hay dos personas que tengan idéntica historia personal, el resultado es rico en variantes, se vuelve polifacético, y es el público quien viene siendo ganador o beneficiado con este tipo de muestra, ya que a la vez que percibe las muchas caras que puede asumir un mismo tema, aprecia las distintas tendencias, escuelas, estilos, preferencias de los productores involucrados en la exhibición.

Este es el caso de la colectiva de invierno de la galería Arte Actual Mexicano, intitulada este año Cristo Salvador, amor, muerte, resurrección, en la que participan 36 productores de la nómina que maneja la galería. El tema podría ser más apropiado para la Semana Santa por ejemplo, mas por la época —que debiera ser de recogimiento, contrición, reconciliación y perdón— también se ajusta y sobre todo se justifica por la calidad de lo hecho por la mayoría de los participantes sino es que, me atrevería a decirlo, por todos (hablo de la factura, de la idea, de la interpretación del tema plasmada en el objeto, no de si el resultado es de nuestro agrado).

Dificultad implícita en una muestra como esta es que al escribir sobre ella se corre el riesgo de omitir nombres (para bien o para mal) o de citar obras y autores que quizás, fuera del contexto de la exposición, jamás serían destacados (para bien o para mal), o, entre otros tantos males, por la cantidad de piezas y productores, se termina sin reflejar realmente lo que de la exhibición vale la pena observar y explicar por qué.

Última observación general. Un tema como el seleccionado para esta muestra, representa por sí mismo un reto difícil de enfrentar no sólo por los muchos significados que posee, por la amplia y rica historia que hay tras de él —pudiera pensarse incluso que ya se ha hecho todo en cuanto a su representación—, sino también porque hay que mantenerse en el delgado filo que separa la obra devocional de la que se asume como crítica o paródica, de la que respeta la tradición y la que busca su renovación.

A pesar de todo, me limitaré a presentar tres grupos de obras que a mi entender, por ellas solas, vale la pena visitar la muestra. En primer lugar están aquellas piezas que hacen una recreación directa del tema, sin modificaciones iconográficas, tal y como sería la de Rafael Rodríguez (El descendimiento), o el grabado de Toledo (Catecismo para remisos). En el intermedio entre este grupo y el siguiente estarían las obras de Arturo Elizondo (dos atractivos Cristo barrocos, Cristo barroco precisamente, y Cristo y rosas). Como se entenderá entonces, el segundo grupo está compuesto por las obras que de una u otra manera presentan un tratamiento distinto, alterado, de esta temática, el finísimo e inquietante dibujo de Ramiro Martínez Plasencia (Alfombra roja) y la divertida, cotidiana y casi blasfema pintura de Otto Cázares (Madonna de los pañales), son un buen ejemplo de este grupo.

El último de ellos se encuentra formado por las obras que en lo personal tienen más interés, las fotográficas y de entre las que están presentes en la exposición destaco a Crucifixión I de Susana Chaurand y Sin título de Graciela Iturbide que es una de las muchas fotografías que le tomó a Julio Galán representando, entre otros personajes, al Salvador.

No me cabe duda de que hay temas que sirven para exposiciones individuales y otros para colectivas, de su selección y correcta aplicación depende el éxito de la misma y la que hemos tratado aquí es un buen ejemplo de ello.

Publicado originalmente por Milenio Diario

Nueva exposición

Este próximo día 17 se inaugura en la galería La Caja Negra de Madrid, España, una selección de dibujos y obra gráfica de Antonio Saura, bajo el nombre de Damas, desnudos, curas y cópulas, título genérico que agrupa a las series de donde proceden los trabajos que se expondrán.Mayores informes en: http://www.lacajanegra.com/

12 de Diciembre

Es muy probable que en toda América no exista otra imagen tan popular y tan extensamente empleada por productores de todo tipo como la de la Virgen de Guadalupe. No se trata sólo de un símbolo religioso que, también como ningún otro, alienta a la gran mayoría del pueblo de México y les da la esperanza necesaria para continuar, incolmnes, con su destino; tampoco es sólo el símbolo más patente del mestizaje cultural entre las culturas prehispánicas y la occidental representada por los españoles, ejemplo clarode cómo funcionó la conquista espiritual. Todo eso y mucho más representa la Virgen de Guadalupe, la Morenita, la Emperatriz de América, la Madre de los desposeidos. Esa fuerza simbólica que lleva desde un principio y que se ha venido incrementando a lo largo de los años, es, precisamente, lo que en

algunas de las obras que la recrean, se trasluce para dejar de ser un simple ícono religioso y convertirse en objeto simbólico representante de una forma de ser, pensar y creer de toda una cultura.

(Imagen: Yolanda López. 1978)

El Rey vive

La National Portrait Gallery del Instituto Smithsoniano de Washington, acaba de anunciar que el próximo año presentará un par de exposiciones dedicadas a Elvis Presley. Se trata de One Life: Echoes of Elvis, que explora, a través de múltiples imágenes, la influencia del cantante en la juventud norteamericana y la cultura Pop en general. La segunda está compuesta por una serie de fotografías que Alfred Wertheimer le tomara al ídolo mediático en el momento justo en que se encontraba en pleno ascenso de su carrera, Elvis at 21, es el título que llevará.

Técnicas inusuales de fotografía

Este día se inaugura en la galería Tagomago de Barcelona, España, la exposición de Patrick Bailly-Maitre-Grand. 54 trabajos entre los que se incluyen imágenes estroboscópicas, perifotografías, monotipos, rayografías y daguerrotipos entre otras técnicas que el autor ha venido ensayando desde hace tiempo como una manera de recuperar no sólo la técnica en sí misma, sino, más importante aún, la estética y las posibilidades de creación que estas técnicas ofrecen aún a los productores que no tengan la prisa de nuestros días para hacer su trabajo.

Una buena opción para visitar en Barcelona por si usted se encuentra por allá o tiene pensado disfrutar de las Navidades y Año Viejo por la ciudad condal.

Para mayores informes visitar http://www.tagomago.com/

Spencer Tunick en Monterrey

Como se sabe, en enero próximo se inaugurará en el MARCO la muestra Citadinos del fotógrafo norteamericano Spencer Tunick, quien al parecer estará presenta en la apertura. Hábil en las relaciones públicas la simple mención de que es posible que venga a Monterrey ya ha empezado a generar el ámbiente necesario, uno, para que haya quien ya se quiera encuerar, y, dos, la publicidad necesaria para su exposición y, si se puede por qué no, obtener la invitación y el contrato para fotografiar a tantos regios como sea posible y quieran aparecer tal y como llegaron a este mundo.

Second Thought

“Registro 02 propone una reflexión sobre nuestra comprensión del arte como practica social, sobre el papel del artista, y sobre el funcionamiento del museo como laboratorio de diálogo y confianza; y sobre el acoplamiento conductual con otras personas que apunta a renovar siempre la solidaridad que hace posible nuestra experiencia como seres humanos.”



Esta es una de las declaraciones centrales con que se recibe al público a la entrada de la muestra Registro 02, mirar por segunda vez, que desde el pasado día 20 de noviembre, exhibe el MARCO. Las normas de la retórica indican que en un discurso el primer planteamiento es el que mejor se recuerda, de ahí que se aconseje tratar primero los puntos positivos, lo cual me propongo hacer al comentar esta exhibición. No obstante, antes quisiera hacer la siguiente aclaración.


Creo yo que eso que llamamos arte siempre es producto de una segunda mirada; es más, para no discutir sobre qué es arte, diría que todo proceso de simbolización es resultado de ese mirar dos veces; entre la primera mirada, la original, y la segunda que corresponde a su representación, la imagen se carga de significado. Y algo semejante ocurre con el espectador, aunque no siempre coincidan los significados, esto es, entre los que intencionalmente deposita el productor en la representación y los que el espectador atribuye o encuentra en ella.


Aclarado lo anterior, me gustaría enfatizar lo siguiente. Con esta exposición queda sentado que el nivel mínimo de calidad, técnica, conceptual, que se requiere para participar, para ser incluido, en proyectos liderados por instituciones tipo museo con proyección nacional e internacional, es el que exhiben todos y cada uno de los participantes en ella. En este sentido podremos gustar o no de lo que hacen, podemos o no entender sus propuestas, podemos o no apreciar lo que les han seleccionado, pero lo que no podemos decir es que sus trabajos sean descuidados, mal realizados técnicamente, insípidos, sin propósito, carentes de ideas.


Así como queda demostrado que en la ciudad o formados en ella o ligados a ella, hay productores con la calidad necesaria para ser considerados —como de hecho lo han sido— en proyectos como el presente, también, desde mi punto de vista, queda claro que para una institución como el MARCO la inclusión de productores, mal llamados locales, será inevitable. Pero que nadie se emocione de más, tuvieron que pasar casi 20 años años y una severa crisis económica para tener una exposición colectiva, no de fotografía, que estuviera compuesta fundamentalmente por productores locales. Los regios —de nacimiento o por adopción— que se dedican a estas labores podrán ser inevitables pero no imprescindibles. Como sea, se trata de un gran paso que sólo puede traer en el futuro mediato o remoto, buenas noticias relativas a una mayor apertura.


Asentado lo anterior, que va de acuerdo a la cita con que abren estas líneas, debo declarar que bien a bien no me puedo imaginar para qué hacer esta exposición. Ya he dicho que la idea del volver a ver para que emerjan de ahí otras modalidades, otros momentos, e incluso el goce estético, es la esencia o la naturaleza de cualquier trabajo simbólico, incluidos los que llamamos arte, así que no era necesario, me parece, hacer una exposición para ilustrar este punto.


Enseguida he de confesar que me pregunto por qué estos productores con estas obras. No es que me confunda el que trabajen con técnicas diversas, ni que sus obras apunten a todas direcciones, vamos ni siquiera que estén entreverados a lo largo de las salas que ocupa la exhibición. No, nada de eso me molesta o inquieta, más bien es el hecho de que algunos trabajos tienen un tufillo añejo, otros son un tanto naif y otros más me dan la impresión de haber sido ya vistos (aquí no aplica lo de la segunda vez), ¿no es mejor en estos casos la fórmula menos por más?


Para decir en inglés “pensándolo bien” se puede emplear la expresión second thought, idioma que tuve que aprender para entender más o menos lo que decían en la exposición y la verdad es que, second thought….

Publicado originalmente por Milenio Diario

Próxima exposición del misterioso M. Tichy

Empezando el 2010 el International Center of Photography abrirá sus puertas a lo que será la primer exhibición en un museo norteamericano del fotógrafo checo Miroslav Tichy, célebre, entre otras cosas por sus cámaras hechas a mano y sus películas preparadas en casa. Para más información ir a: http://www.icp.org/site/c.dnJGKJNsFqG/b.850259/k.B70/Upcoming_Exhibitions.htm

Marina Abramovic

Uno de los problemas a los que se enfrentan muchos fotógrafos, y/o los que se valen de la fotografía para realizar una obra, los mismo si son profesionales que los que no lo son, es el trabajar en proyectos concretos. No se trata de juntar o relacionar imágenes con un tema semejante, ni siquiera de hacer variaciones, trabajar un proyecto es tener una idea integral que pueda guiar todos los pasos que sea necesario llevar a cabo para conseguir un fin previsto con anterioridad. Una idea muy clara de qué es un proyect, cómo se gesta y a qué da lugar lo encontrarán en la siguiente entrevista a la fotógrafa serbia Marina Abramovic que charla sobre su exposición The Kitchen. Homage to Saint Therese. Ir a: http://www.notodotv.com/videos/recientes/4121/0/0/Marina_Abramovic_THE_KITCHEN

Geroca saluda la aparición del libro de Aristeo Jiménez

"CARTOON ALUCINADO CON LAS FOTOS DE ARISTEO JIMENEZ QUE ES DE LOS POCOS EN RETRATAR LA MARGINALIDAD Y EL BAJO MUNDO DE MONTERREY ..HOY VIERNES 4 DE NOV PRESENTA SU LIBRO.. OJOS QUE DA PANICO MIRAR,, CON TEXTOS DE RICARDO ELIZONDO..." Geroca

Libro Aristeo Jiménez

Un buen ejemplo editorial de lo que es una exitosa combinación entre un buen fotógrafo y un excelente diseñador.

Día de San Francisco Javier

Una curiosa ilustración contemporánea que presenta a los primeros jesuitas, Ignacio de Loyola, Pedro Febro y, el homenajeado de este día, Francisco Javier.

Cuando el arte religioso pareciera haber quedado atrás, surgen, de vez en vez, estas manifestaciones que si bien no provienen de manos que exhuden capacidad, ni de intentos innovadores, sí que cumplen con su función primaria, aquella para la cual fueron creadas.

Llamo su atención sobre dos aspectos que creo son relevantes en esta pieza, por un lado, el que su autor sea un conocedor de la historia de la pintura lo que se deja ver en en la realización de la pieza que se ha hecho bajo un cierto gusto o estilo asociado al arte Bizantino; y, por otro, el carácter oriental del fondo que se combina con las construcciones jesuíticas más conocidas. Ambos detalles demostraría que quien haya pintado la obra no es ni incompetente, ignorante, o aficionado, sino que, muy probablemente, se trata de quien haya hecho de la producción de estas imágenes un oficio que incluso le resulta rentable. Interesante, sin lugar a dudas, cómo funcionan estas imágenes, lo mismo en la imaginación de su creador, que en la de los espectadores de la misma.

Graciela Iturbide

Juego de manos. 1970

Desde el pasado 28 de noviembre y hasta el 7 de febrero del siguiente año, se estará presentando en el prestigiado Fotomuseum Winterhur de Zürich, Suiza, la exposición Graciela Iturbide, el ojo interior, muestra compuesta por una selección de sus mejores trabajos. Un reconocimiento más a la trayectoria y obra de la fotógrafa mexicana contemporánea más famosa del mundo.

CONARTE

Con el nombramiento de Carmen Junco al frente del CONARTE, se puso fin a meses de especulación, cabildeos, cobro de favores y otras tantas variables que intervienen en este tipo de decisiones. Por fortuna, la designación de Junco no deja lugar a dudas y no creo que haya quien cuestione su capacidad profesional y administrativa.

No obstante, prácticamente al día siguiente de hacer público quién sería la nueva presidenta del CONARTE, se anunció que se esperaba un recorte de 55 millones de pesos para el organismo, esto es, se propone regresarlo a los niveles de hace 10 años, con lo cual, hoy día, volvería a quedar amarrado de manos para gestionar y echar a andar sus propios proyectos. Sin duda será grave este recorte si es que llega a concretarse, pero hay otros puntos que me preocupan más por estar relacionados directamente con la nueva dirección del CONARTE.

Uno de ellos, por desgracia, tiene que ver con los dineros y se refiere a la consolidación del Centro de las Artes tal y como está planeado, o sea, con las naves generadores y sopladores integradas a los trabajos regulares del Centro así como la escuela Carlos Prieto, que bien podría convertirse en la sede del Taller de Experimentación Plástica (TEP) ampliado a otras manifestaciones y/o actividades.


Tener un Centro de las Artes fuerte y en funcionamiento pleno nos conviene a todos, no sólo porque ayudaría en la definición de la vocación del Parque Fundidora, sino porque le permitiría al gobierno del estado proponer y mantener una oferta cultural sin paralelo ni en la ciudad o en cualquier otro estado del país.


Me preocupa igualmente un tema que estuve exteriorizando tanto durante las campañas políticas como al ser conocido Rodrigo Medina como nuevo gobernador. Si como he dicho creo que Carmen Junco fue el mejor candidato para ocupar la presidencia del CONARTE, por lo pronto no podemos decir nada respecto a quiénes formarán su equipo de trabajo, simplemente porque aún no han sido dados a conocer, pero tan importante como la presidenta serán quienes la acompañen. Espero, sinceramente, que el buen juicio del que siempre ha hecho gala Junco, se imponga una vez más y procure rodearse de quienes en verdad la auxilien y tengan un verdadero interés por el desarrollo cultural del estado y sepan cómo provocarlo.


Finalmente, a pesar de todo lo que se ha escrito, de los foros que se han hecho, y de las menciones que una y otra vez se repiten, seguimos sin tener políticas públicas que tengan como objetivo la actividad cultural y artística en el estado. Paradójicamente, desde la creación del CONARTE, en el gobierno de Sócrates Rizo, no ha vuelto a haber ninguna administración estatal interesada en el tema, y por lo visto, el actual gobierno no será la excepción.


Prefiero pensar que seguiremos ayunos de políticas culturales a creer que la expresión de un deseo, o de un gesto de buena voluntad puede convertirse en guía del quehacer cultural en el estado. Me refiero a eso de “popularizar” la cultura, o hacer que esta deje de ser “elitista” para que todos alcancen sus beneficios. Eso, con todo respecto, es puro populismo.


No es lo mismo procurar o legislar a favor de que el acceso a las manifestaciones artísticas sea universal, sin distingo de edad, preferencias religiosas, políticas, sexuales o de cualquier otro tipo, que pretender que esas mismas manifestaciones sean para todos. El arte, hay que decirlo con todas sus letras, no es para todos; si ni siquiera el futbol lo es, menos lo que llamamos arte. No se trata, como parecen indicar las declaraciones del gobernador, de llevar al arte al pueblo (fórmula más que gastada), sino más bien de educar, sensibilizar, de proponer actividades artísticas a las mayorías para que, libremente, se vayan acercando a otras manifestaciones distintas en su complejidad, con otra clase de sofisticaciones, con otros significados con los que pueden complementar el enriquecimiento de sus vidas.


Requerimos de políticas culturales claras y explícitas, pues sólo así será posible evaluar realmente las acciones del CONARTE. Esta nueva administración, creo que, de entrada, es lo menos que merece.

Publicado originalmente en Milenio Diario

Acaba de darse a conocer el libro de artista A complete Unknown de Charles Gatewood, un exquisito trabajo compuesto por fotografías que en abril 29 de 1966 le tomara Gatewood a Bod Dylan durante una rueda de prensa en Estocolmo, Suecia. Las 61 copias del libro son una edición de Dana Dana Dala Limited Editions.

Para mayor información acudir a www.danadanadana.com/gatewood/gallery.htm

Edward Curtis. Jefes Sioux. 1905

Arco de la Independencia. Alfred Gilles. Escultura Martínez Rendón. (1910). Monterrey, N.L. México

Nuevo libro de fotografía latinoamericana

La Fábrica, Editorial, acaba de sacar en cooedición con Gran Sol, Comunicación Visual y Casa América, el libro Nubes de un cielo que no cambia, un recorrido con fotografías de Ricky Dávila y poemas de Dufay Bustamante, por la ciudad de Bogotá, Colombia. Para mayores detalles visite lafabrica.com

Proyecto para la cumbre sobre el cambio climático

Para conocer más sobre este interesante proyecto acudir a http://www.artdaily.com/

Ecos de la Bienal (Segunda de dos partes)

La IX edición de la Bienal Monterrey-FEMSA presentó una serie de novedades que han de ser evaluadas con toda calma y objetividad, no sólo por lo que representan para la actual exposición (Centro de las Artes I y II, Parque Fundidora), sino porque inciden directamente en las decisiones que se vayan a tomar sobre el futuro y el rumbo por el que habrá de marchar este concurso.

Una ellas, la más evidente, es la presencia de productores invitados. En esta ocasión, se contó con creadores mexicanos y artistas brasileños. Oswaldo Sánchez, fue el responsable de la invitación a Magali Lara, Yishai Jusidman, Carlos Amorales, Iñaki Bonillas y Pablo Vargas Lugo por nuestro país, en tanto que Agnoldo Farías se encargó de presentar a Dora Longo Bahía, Fabio Cardoso, Kboco, Henrique Oliveira y Luis Zerbini, por el del Brasil; habría que mencionar que las obras de Longo, Kboco y Oliveira, fueron realizadas especialmente para esta edición de la Bienal, lo mismo que hizo Vargas Lugo por los mexicanos.

¿Cómo funcionan estos productores invitados, mexicanos y extranjeros, en medio de un Salón en el que se buscó tener un lugar a través de un concurso? Me parece que se convierten en el horizonte sobre el cual hay que ver lo hecho por los participantes. Un horizonte compuesto por el quehacer de productores mexicanos y brasileños que ya han sido legitimados por la crítica tanto de sus países de origen, como, por la de los circuitos internacionales, por lo que la operación de ver y relacionar, comparar y apreciar, se lleva a cabo por partida doble.

El trabajo de los invitados mexicanos, es serio, muy profesional, muy cerebral yo diría —para no colgarles el Sambenito de conceptuales—, elaborado más allá de lo meramente visual (Bonillas y Jusidman) o tercamente insistente en lo peculiar de la percepción visual y su interrelación con lo que se pretende mostrar o comunicar (Lara, Amorales, Vargas Lugo). En contraste, lo exhibido de los brasileños es desbordante, imaginativo, arriesgado, aunque también hay que señalar que nos quedan debiendo por lo poco que se vio de Fabio Cardoso y Luis Zerbini.

Entendidos así, los participantes seleccionados se ven cercanos, casi por necesidad, a lo realizado por los invitados de nuestro país, pero lejanos, en general, a lo hecho por los brasileños; contra la obra de éstos, la de los demás participantes se ve contenida, limitada, incierta, desconfiada. ¿Es esta una conclusión natural, lógica? Me parece que no sobretodo en un mundo globalizado; en otras palabras, hoy día difícilmente se puede hablar de influencias locales o hegemonías nacionales sobre tal o cual tendencia.

Creo que esta apreciación, que es muy general por supuesto, se debe a otras razones y no a un cierto espíritu o genio que hace a los mexicanos buscar formas e imágenes similares. Más tiene que ver, creo, con la idea de estar atentos a lo que sucede en otros lugares, ha estar mirando permanentemente para no quedarse atrás, para no dejar de ser modernos. En cambio en el Brasil, tengo la impresión, están acostumbrados a ser los observados, por lo que actúan libremente sin reparar en las consecuencias de su actuar pues, independientemente de ellas, continuarán siendo observados.

Supongamos que esta sea una de las conclusiones a las que se llega después de evaluar esta iniciativa —la de tener invitados en la Bienal—, ¿es lo suficientemente importante, valiosa, como para repetirla? Yo digo que sí. Ya fuera esta o cualquier otra la conclusión que se saque, valió la pena no sólo haberla llevado a cabo, sino también lo valdrá el repetirla. Si a través de este diálogo nos conocemos mejor, podemos encontrar nuestras similitudes pero también la riqueza de aquello que nos diferencia, entonces hay que hacerlo, hay que provocarlo esta y muchas otras veces. Agreguemos que este resultado no se habría dado o mostrado tal cual, mientras el diálogo se mantuviera sólo entre nosotros.

En este sentido —el de generar una interacción entre productores de diverso origen y trayectoria— la Bienal, sin duda, da un paso importante para dejar de ser simplemente promotora y convertirse en interlocutora de la cultura plástica del país.

Publicado originalmente en Milenio Diario.

Jóse Cendón ha inaugurado en el IVAM la exposición intitulada Miedo en grandes lagos. Un alucinante viaje por diversos hospitales psiquiátricos del Africa. Si por desgracia la mayoría de la población de este continente sufre, los desdichados que con o sin razón acaban en estos sitios, tienen otra clase de sufrimiento, inconcebible también en pleno siglo XXI.

Imagen tomada de www.ivam.es

Aprender de la Historia

Tropas federales al mando de Carlo Rincón Gallardo. Archivo Casasola. INAH, Fototeca Nacional, México

A un año del Centerario de la Revolución Mexicana

Soldaderas en Buenavista. Archivo Casasola. INAH, Fototeca Nacional, Mex.

ECOS DE LA BIENAL (Primera parte)

El pasado jueves 12 se dio por inaugurada en las salas del Centro de las Artes I y II del Parque Fundidora, la IX Bienal de Arte Monterrey-FEMSA. Al tiempo que daban a conocer a los ganadores de sus dos categorías, así como a quienes merecieron una Mención especial, daba por concluida la primera parte del arduo y complicado proceso que significa la organización de un evento como este. Mas al cerrar esta etapa, abrieron otra que arrancó con lo sucedido esa noche, se extiende al tiempo que dure en exposición la muestra, para continuarse por los lugares en que habrá de presentarse y culminar con la incorporación de los trabajos ganadores a la Colección de Arte FEMSA, el regreso de las demás piezas, y la continuación en la planeación de la siguiente Bienal.



Todo este trabajo, que es el que alcanzamos a ver, ha tenido ya, como se ha dicho reiteradamente, logros importantes y que destacan a esta Bienal de sus antecesores; ya sea por el número récord de participantes, el que se haya cubierto a todos los estados del país, el contar por vez primera, con productores invitados y de estos extranjeros no sólo nacionales, haber involucrado a los alumnos de las Universidades locales, o por la calidad obtenida en la muestra final, esta IX Bienal será, casi sin lugar a dudas, un parteaguas para todos, la empresa patrocinadora, los organizadores, sus asesores, jurados futuros y participantes.


Para que esto se cumpla es menester la participación de todos y sobretodo el convencimiento de que es un evento que hay que cultivar para que en cada edición se vuelva más de la ciudad. Si bien el papel principal que debemos jugar la mayoría es el de convertirnos en el público que visite la exposición, a otros nos tocará el comentarla y señalar sus yerros y aciertos pues sólo así se puede mejorar. Los participantes y quienes no quedaron seleccionados, antes que maldecir, bien harán en prestar atención a las lecciones que se puede sacar de lo expuesto y corregir lo que haya que corregir y/o confirmar lo que ya se tiene y se sabe.


Por mi parte, me gustaría señalar un par de aspectos que me saltan de inmediato al contemplar el salón. En primer lugar hay una innegable supremacía del trabajo basado en la imagen fotográfica. A diferencia de lo que he dicho en otras ocasiones de que este desplazamiento es posible que se deba al facilismo que comporta hoy día la producción de imágenes fotográficas, las que aquí se exponen han sido trabajadas más allá del azar, la ocurrencia o la moda. Por su parte las pinturas seleccionadas, salvo mejor opinión, no son, como conjunto, malas, quizás para que fueran representativas de lo que se hace en el país faltaron más figurativismos, pero aún reconociendo esto, la impresión que me dejan es de agotamiento, de haber llegado a un límite que ni interesa ni pueden rebasar.


En este mismo sentido va el segundo aspecto que me quisiera destacar. Ya se trate de fotografías o de pinturas e incluso piezas tridimensionales, como conjunto, me parece que los contenidos han pasado a ser un asunto de tercera o cuarta preocupación. Dicho de otra manera, creo que, insisto como conjunto, la muestra nos deja ver preocupaciones formalistas, individualistas, subjetivas e irracionalistas. No critico estas posturas, reconozco en ellas un valor y una representatividad generacional y épocal, pero echo de menos las piezas que me cuenten historias que tienen o pueden llegar a tener un sentido para la colectividad, tal y como lo sería la pieza ganadora en la categoría bidimensional.


Concluyo en dos sentidos, uno respecto al evento en sí mismo, el otro sobre lo expuesto. Del primero pienso que los responsables de la Bienal tendrán que seguir trabajando para lograr una liga mucho más estrecha entre la comunidad y el certamen, y al decir comunidad me refiero tanto a los demás estados como a esta ciudad. Del salón me quedo con la idea de que hay trabajos muy bien realizados, interesantes incluso, al borde del delirio esteticista pero, en general, poco emocionantes, poco propositivos; quizás esta sea la imagen del momento, quizás tan sólo sea el resultado del proceso seguido en esta Bienal.

Publicado orginalmente en Milenio Diario.

Juanito

Me había propuesto no volver a tratar este tema por tres razones, la primera de ellas, quizás la más importante, es que no vale la pena; la segunda por no crear la falsa impresión de que tengo algo personal en contra del llamado taxista fotógrafo; y, tercera, porque tampoco quiero que se piense que es mi postura oponerme sistematicamente a lo que desde la Fototeca del estado se hace o se propone.
No obstante, este sábado pasado (nov.14, 09) Marco Granados escribió en su columna "Lado B" que aparece en el periódico El Norte, sobre la más reciente exposición de esta persona que lleva por título, precisamente, La mirada del taxista y se expone en el Centro de las Artes I del Parque fundidora.
Por lo general coincido con los juicios de Granados aunque, como es lógico, diferimos en muchas cosas y difícilmente me atrevería a citarlo en otra u otras ocasiones. Si ahora lo hago es porque, quizás como muchos otros que estén de acuerdo conmigo, la opinión que externa sobre este "fotógrafo taxista" es similar a la que yo he externado en otras ocasiones, por lo que pareciera que no soy el único en tener reparos ante sutrabajo, el único que cree que se le ha impuesto un rol y una personalidad que no son las suyas. Para mayore señas aquí la liga al artículo de Granados y ahora si, sobre este tema, colorín colorado este cuento se ha acabado.
http://busquedas.gruporeforma.com/elnorte/Documentos/DocumentoImpresa.aspx?ValoresForma=898098-325,lado+b

IX BIENAL MONTERREY-FEMSA

La IX edición de la Bienal Monterrey-FEMSA será inaugurada el próximo día 12, teniendo como sede las salas del Centro de las Artes I y II en el Parque Fundidora.



Este año, la Bienal presenta una serie de innovaciones de las cuales menciono dos, las que a mi juicio tendrán más consecuencias positivas para el evento. La primera de ellas, que debe ser entendida como un primer paso en un largo camino que está por construirse, se refiere a tener artistas invitados al lado de los que siguen el procedimiento normal de la Bienal. En esta ocasión se han invitado a cinco productores nacionales e igual número de brasileños. La obra de estos diez creadores fue curada por Oswaldo Sánchez y Agnaldo Farias, respectivamente.


La segunda novedad es la de hacer “oficial” la invitación a alumnos de las universidades locales (UDEM, UANL, Arte, A.C., CEDIM) a que participen en las labores propias del montaje de una muestra como esta: desde el desembalaje de las piezas que se vayan recibiendo, hasta el servir de edecanes para los visitantes la noche de la inauguración. Este tipo de acciones no sólo subrayan la vinculación de la Bienal con su comunidad, sino que trabajan para el futuro, es decir, preparan a quienes el día de mañana serán los responsables de la operación de estas tareas.


El resultado de estos cambios, desde este momento, no podría ser más alentador. Como nunca antes en su historia, este año se recibió un número récord de obras, 3,605, de 1,314 productores; de las cuales quedaron seleccionadas 95 de 81 autores. Además, también por primera vez, se tienen la representación de todos los estados de la república.


Si estas cifras son importantes y hablan de la aceptación y poder de convocatoria que tiene la Bienal Monterrey-FEMSA, más aún lo será que el tiempo que dure su exhibición en las salas del Centro de las Artes I y II se vean colmadas de visitantes.

Preparado originalmente para la Agenda Cultural del CONARTE No. de Novembre

Pintura abstracta

Hace ya casi un mes, el 15 de octubre para ser precisos, se abrió al público la exposición denominada Abstracto 02, en la Galería CONARTE, ubicada, como se sabe, en los bajos del antiguo palacio federal. La muestra se compone de una treintena de piezas de la Colección ING, que ya en otras ocasiones, con otros temas, se ha podido apreciar en este mismo espacio. Como su nombre lo indica, en esta ocasión (que es una segunda parte), se presentan trabajos que ejemplifican la transición del arte nacionalista que imperó por décadas en nuestro país, hacia la abstracción, que terminó, también, convirtiéndose en arte oficial.



De entrada hay que mencionar que es una exposición que no se puede dejar de ver, tanto por la calidad de algunas de las piezas que la componen (por ejemplo los Mérida, Pedro Coronel, o Fernando García Ponce) y que son una extraordinaria oportunidad para ver diferentes tratamientos de la superficie pictórica, cuando aún este aspecto era importante hasta para los pintores abstractos, como por representar la posibilidad de conocer físicamente las tendencias que hicieron que el arte en México fuera girando hacia lo que en ese momento (a partir de los años 50) se consideraba el arte más moderno. Posibilidad que dicho sea de paso, no tenemos en ninguno museo de la ciudad, por lo que bien vale la pena, sólo por conocer la historia, ir y contemplar estas obras.


De hecho, extendiendo el comentario, yo subrayaría que vale la pena darse la vuelta por esta galería del CONARTE, pues en las salas frente a esta que ocupa la colección ING hay una muestra de fotografía producto del concurso sobre el Patrimonio Cultural de Nuevo León y una más de René Almanza de gráfica y pintura. Quizás el espacio no sea tan glamoroso como otros, quizás lo que aquí se exhibe no sea tan publicitado como lo que se presenta en otros espacios y aún así, nada quita que la visita al vestíbulo convertido en sala de exposiciones, colme cualquier expectativa.


Ahora bien, quisiera dedicar el resto de estas líneas y de cara a esta exposición, a cuestionar la vigencia de la pintura abstracta. Quiero decir, sé que existe una explicación más que plausible, más que estudiada, reflexionada y difundida sobre el cómo y el por qué la pintura y el arte occidental en general fueron, digamos, haciéndose abstractos, de dicha historia pues, no hay nada que cuestionar, más bien me refiero a cómo se ve esta tendencia, estilo, escuela o práctica hoy en día, a la luz, del trabajo que se lleva a cabo en este momento al derredor del mundo. Dos preguntas más ¿se podría alentar a alguien e ser un artista abstracto?, ¿cómo entender una obra abstracta hoy día?


Cuando pregunto cómo se ve el arte abstracto hoy día, no estoy preguntando cómo se ven las obras históricas —como las que están en esta muestra—, sino las que se producen hoy día, las que, por ejemplo, acaban de descubrir que en lugar de plantear un tema y un contenido pueden simplemente dejar que el pigmento y su medio actúen sobre una superficie. En el panorama internacional se habla de una nueva abstracción o neoabstraccionismo, obras trabajadas bajo la óptica de lo no figurativo u objetual que se suman y conviven con las muchas otras tendencias que caracterizan a la producción artística en tiempos de la globalización.


Y quizás sea esto último lo que distingue este regreso a la abstracción; esto es, la de hoy no deja de ser una más de entre otras tantas maneras a través de las cuales se asumen el hecho artístico, y su valor depende de lo que ella misma, obra a obra, sea capaz de realizar, en tanto que lo que hemos llamado la abstracción histórica se imponía por hegemónica, por ser la representante de las corrientes internacionales, por ser la que presumía del aprecio de los conocedores, la que se difundía desde los centros de poder.


Hoy día vemos a la abstracción histórica, en unos casos, como una renovación, en otros como una evolución consecuente, y en otros como imposición. A la abstracción actual como un recuerdo incómodo, como un revisionismo casi ocioso, como la repetición de viejas fórmulas, como una, de muchas otras formas que puede tomar la producción artística contemporánea.

Publicado originalmente por Milenio diario

¿MAL INICIO?

Según el dicho mal inicia la semana para quien ahorcan en lunes y esta pudiera ser la tónica para el CONARTE de acuerdo a las últimas noticias.


A mediados de la semana anterior se supo que la institución daría por terminada su relación contractual con 40 de sus trabajadores. Se explicó que esta acción era motivada por los ajustes presupuestales que el nuevo gobierno estatal está llevando a cabo de cara a la crisis económica que vive el país. El fin de semana apareció otra notica relacionada con el mismo tema. Ahora fue Romeo Flores Caballero presidente del Consejo, quien explicó de nueva cuenta las razones del despido de estos 40 trabajadores, a la vez que agregó que el ajuste presupuestal —en realidad un recorte de facto— afectaría también planes y programas que ya se encontraban en curso. Anunció la cancelación de proyectos como la base de datos sobre el teatro local, el rescate de archivos municipales, y el de la producción cinematográfica, entre otros, así como la suspensión de exposiciones de artes visuales y otro tipo de espectáculos. Y para culminar con el desmantelamiento del aparato estatal dedicado a las actividades artísticas, recién se supo de la desaparición del Consejo Editorial de Nuevo León, quizás la única de las instituciones del anterior gobierno que puede darse el lujo de decir que atravesó el pantano sin mácula.


Así las cosas todo indica que se repite la ejecución de la nefasta regla según la cual, en tiempos de crisis, la primer área que hay que cancelar es la relativa a las actividades culturales, pues, como se sabe, para los administradores el dinero que se les da a éstas, es capital, ya no digamos mal invertido, sino desperdiciado, como quien lo arroja al retrete. La no renovación del contrato de los 40 trabajadores del CONARTE, es una consecuencia, de entre otras muchas, de la aplicación de esta norma, con un añadido: no sólo se actúa sobre los laboralmente más desprotegidos —los que no tenían planta—, sino que quizás se afecte al elemento humano con el que, gracias a su concurso, las actividades del día a día de la institución eran posibles. Sin ellos, es difícil imaginar que se pueda mantener, como mínimo, el mismo nivel en que venía desempeñándose (acepto, por supuesto, que entre estos 40 despidos pudo haber muchos de los que sólo pasan a recibir su salario cada quincena, vulgo aviadores que en verdad son los que engrosan la nómina). Desaparecer el Fondo Editorial de Nuevo León posiblemente se convierta en la más grave de todas las decisiones que se tomen, pues el resultado de su gestión está a la vista y muy pocos se atreverían a cuestionarlo.


Pero veamos un poco más de cerca la situación. Detengámonos un momento y tomemos en cuenta lo siguiente: Sin duda es duro saber del despido de estas 40 personas. Como lamentable es que se esté anunciando la cancelación de una serie de actividades que forman parte del hacer, de la vocación del CONARTE, la institución creada entre todos para hacerse cargo de la política cultural del estado. Con una reducción significativa de su presupuesto que le impida continuar, mal que bien, con su quehacer, poco o ningún sentido tiene seguir sosteniéndola. Igualmente triste es que se suspenda la actividad del Fondo Editorial, pues, insisto, su función y objetivos están más que justificados.


No obstante, creo que antes que acabemos de condenar estas “iniciativas del ahorro”, conviene —para no quemar la pólvora en infiernitos— saber bien a bien qué han decidido los jerarcas estatales sobre el futuro del CONARTE, y después conocer a cuánto ascenderá el presupuesto que el Congreso —no el gobernador— le asigne (si es que le asigna algo). De la misma manera es necesario sabes si al Fondo lo substituirá otra institución, departamento o dirección, que tenga funciones similares y esté lejos de las tentaciones gobiernistas.


Mientras no tengamos toda esta información, no quede claro cuál es el futuro que se perfila para la práctica artística en el estado, no podremos condenar o apoyar lo que se esté haciendo o dejando de hacer en esta área, aunque como también reza el dicho: cuando el río suena…

(Publicado originalmente en Milenio Diario)

Las víctimas

Por la mañana de este día, leí, debo confesar que con cierto apuro y pena, que el CONARTE había tomado la decisión se suspender su relación laboral con 40 de los que hasta la fecha de ayer habían sido sus empleados. Mi reacción, además de ser provocada por una pésima administración federal los últimos 12 o 18 años, la puedo concretar en los siguientes tres puntos:
1. Me sorprende, me ofende, la poca atención que el nuevo gobierno ha puesto al sector de la cultura. No es sólo la dilación para definir su status y/o nuevo rumbo de acuerdo a las políticas públicas que se quieran aplicar en él, sino que se le ponga a la cabeza de los reajustes, confirmando, una vez más, que la Cultura no es un sector, ya no digamos prioritario, sino simplemente importante para este o cualquier otro gobierno. Y, lo peor, cuando parece que se le prestará especial atención, como en la caso del gobierno anterior, es sólo para favorecer, por quién sabe qué méritos, a los amigos, los compadres, los compromisos adquiridos, etc.
2. La situación económica en la que se encuentra el país y que es atribuible en un gran porcentaje a los malos manejos de gobiernos federales, estatales y municipales, deja sin protección alguna a los compañeros que han sido despedidos, mientras que diputados (locales y federales), partidos políticos, sindicatos, siguen sirviéndose con la cuchara grande. Con esta crisis a cuestas, ¿quién empleará a los que pasan a engrosar el número de desempleados?, ¿quién se preocupó por su futuro, quién se preocupará por ellos?
3. Dudo mucho que para lograr una mayor eficiencia en las acciones de gobierno se tenga que liquidar a parte de la planta laboral. Y lo dudo porque, por lo menos en el caso del CONARTE, quienes se han visto afectados por esta decisión, eran los que precisamente sacaban adelante la chamba, los que hacían la talacha del día a día, los que están detrás de los reflectores pero sin cuyo concurso las cosas no marchan, o no marchan como debiera. Todos sabemos de los muchos aviadores que medran del presupuesto estatal y del que puedan hincarle el diente, esos son los que debieran ser tachados de las nóminas, nos los trabajadores víctimas de una crisis en la que nada tienen que ver; sin embargo, como sabemos, los vividores del gobierno, son, para la politiquería que impera en el país, pieza clave para seguir aprovechándose del poder.
Si difíciles fueron los últimos dos años del CONARTE, principalmente por el robo que sufrieron de su presupuesto, si con el personal completo fueron cuestionadas sus acciones y alcances, si con el ojo del gobernador sobre su hombro se vieron obligados a cumplir caprichos, ¿qué será ahora de ellos -de nuestra institución encargada de la política cultural del estado- que ni el saludo reciben?
Con acciones como estas no sólo se victima a 40 personas, sino a toda la comunidad.